MOMAT コレクション ⑦ 9室:清野賀子 & 10室:アール・デコの精華／線にもいろいろある & 11室:Lines and Grid

2024/12/18 - 2024/12/18

国立東京近代美術館 所蔵作品展 MOMATコレクション（2024.9.3-12.22）

9室：清野賀子「a good day, good time」
10室：アール・デコの精華／線にもいろいろある
11室：Lines and Grid

エリア 丸の内・大手町・八重洲(東京)

• 旅行の満足度: 5.0

国立東京近代美術館 所蔵作品展 MOMATコレクション（2024.9.3-12.22）
https://www.momat.go.jp/exhibitions/r6-2

東京国立近代美術館 美術館・博物館

9.清野賀子
「a good day, good time」
Seino Yoshiko,
a good day, good time

清野賀子はファッション雑誌「マリ・クレール」の編集者を経て、1995年に写真家に転身し、中判カメラとネガカラーフィルムで撮影した風景写真により国内外で評価されました。

Seino Yoshiko was an editor at the fashion magazine Marie Claire Japon, then became a photographer in 1995, gaining recognition both in Japan and abroad for her landscape photographs taken with a medium format camera and color negative film.

「a good day. good time」は2008年に二つの会場（Gallery Trax・山梨、Punctum Photo+Graphix・東京）で開催した個展で発表されました。2003年から2007年にかけて雑誌の仕事や日々の生活の中で訪れた場所で撮影した写真により構成されています。2006年の雑誌インタビューで清野は写真の魅力を次のように語っています。「物が、人が、在るがままに立ち上る照間がある。もう少し詩的に言ってしまえば、夜が夜より夜らしく、風が風より風らしく写るということがある。
そんな瞬間が好きなんです」

Her solo exhibition a good day, good time was held in 2008 at two venues, Gallery Trax in Yamanashi and Punctum Photo + Graphix in Tokyo. The exhibition featured photographs of places visited on magazine assignments and in her daily life between 2003 and 2007. In a 2006 magazine interview, Seino described photography's appeal to her: "There are moments when things and people appear as they are. To put it more poetically, there are times when the night seems more night-like and the wind seems windier than usual. These are the moments I love."

清野が写真への関心を深めた1990年代は日本の美術館で写真作品の収集が始まり、写真展や写真集による作品発表が活発化した時代です。活況な雑誌メディアでは写真を中心とする誌面が増えていきました。資料として、清野が写真家として活動を本格化した初期の雑誌の仕事もご紹介します。

The 1990s, when Seino deepened her exploration of photography, was a period when Japanese museums began collecting photographic works, and there was a surge in exhibitions and books showcasing photography. It was also a time when magazines flourished, increasingly focusing on photography driven content. For historical context, here we also present some of Seino's early magazine work marking the start of her career as a professional photographer.

10.アール・デコの精華／線にもいろいろある
The Spirit of Art Deco/ All Kinds of Lines

手前のコーナーでは、フランスのガラス工芸家ルネ・ラリック（1860-1945）と、同時代の日本人作家を紹介します。この時代の装飾様式を示す「アール・デコ」の由来にもなった1925年の現代装飾美術・産業美術国際博覧会で、ラリックはガラス部門の責任者として多くのバヴィリオンや内装を担当しました。一方、日本では金家の高村豊周（1890-1972）や内藤春治（1895-1979）らが工芸の革新運動を展開しました。両者に通じる幾何学的な装飾や構成を重視する造形は、工業化時代の新しい美意識を反映しています。

In the area at the front of the room, we present works by the French glass artisan René Lalique (1860-1945) alongside those of his Japanese contemporaries. Lalique played a major role at the 1925 Art Deco Exposition. He was in charge of its glass section, and oversaw the design of many pavilions and interiors. Meanwhile, in Japan, metal casters including Takamura Toyochika (1890-1972) and Naito Haruji (1895-1979) spearheaded a movement advocating innovation in craft. Their geometric decorations and highly structured designs reflect the new aesthetic sensibilities of the industrial age.

奥のケースでは、線がいろいろな日本画を紹介します。たとえば、ひらがなを書くような柔らかい線（吉川霊華など）や、針金のようなツーとした線（小林古径など）は、やまと絵のグループに見られます。ツーとした線は鉄線と呼ばれ、法隆寺金堂壁画などを参考に1920年代から使われ始めた線でした。かすれても途切れても平気な感じの線（今村紫紅や石井林容など）は、古美術の南画になぞらえて「南画」風や「新南画」風と呼ばれます。

In the rear display case are Nihonga (Japanese style paintings) featuring various linear styles. There are soft lines resembling hiragana script (as in the works of Kikkawa Reika) and sharp, wire-like lines (as in the works of Kobayashi Kokei) associated with yamatoe (classical Japanese painting) genre. These crisp "wireline drawings," which gained popularity in the 1920s, drew inspiration from sources such as the Kondo Hall of Horyu-ji Temple. Meanwhile, lines that remain aesthetically cohesive despite appearing faded or broken, as in the works of Imamura Shiko and Ishii Rinkyo, can be likened to classical nanga (literati painting), and are described as nangastyle or shin-nanga (neo-nanga).

ルネ・ラリック
René Lalique
1860-1945

立像 泉の精タリア
Statuette: Source of the fountain, Thalia
1924 大正13年
ガラス、プレス成形、木製合
mold-pressed glass, wooden socle

1925年の国際博覧会でラリックが手がけた仕事のなかでも、ガラス製の女神像16種128体を組み上げた高さ15mにおよぶ噴水塔＜フランスの水源＞はひときわ注目を集めました。本作は＜フランスの水源＞制作時の型でつくられた一体。16種の女神像は基本のかたちが共通で、髪飾りや持ち物、衣の文様を少しずつ変えることでヴァリエーションをもたせています。浅い凹凸による表現と流線形のシルエットが、今まさに泉から出現したような女神の姿を際立たせます。

Among Lalique's contributions to the 1925 Art Deco Exposition, his fountain tower Sources de France (Springs of France) was especially extraordinary. The structure comprised 128 glass statues representing 16 different goddesses, and its height rose to 15 meters. The work shown here was made from one of the original molds for Sources de France. Each of the goddess statues shares a basic form, but varies in details such as hair ornaments, accoutrements, and garment patterns. Subtle relief work and streamlined silhouettes make it appear as if the goddess statues are gracefully emerging from the springs.

川端龍子
KAWABATA, Ryushi
1885-1966

金閣炎上
Kinkakuji-Temple on Fire
1950 昭和25年
紙本彩色 color on paper

金閣炎上といえば、三島由紀夫の小説『金閣寺』（1956年）や水上勉『五番町夕霧楼』（1962年）、『金閣炎上』（1979年）によっても知られる歴史上の大事件です。1950（昭和25）年7月2日の未明、京都の鹿苑寺（通称・金閣寺）の国宝、舎利殿が同寺徒弟の放火によって全焼しました。龍子は翌日の新聞を参考に、わずか2ヶ月後の22回青龍社展にこの作品を出品しています。こんなに生々しい大事件が日本画で描かれること自体が特異なこと。さらには、そうした主題選択が、彼の弟子たちに受け継がれていることも注目されます。

The burning of Kinkaku-ji Temple was a major historical incident, which is widely known through works such as Mishima Yukio's Kinkakuji (The Temple of the Golden Pavilion,1956), Minakami Tsutomu's Gobancho Yugiriro (District Five, Manor of Mists, 1962) and The Burning of Kinkaku-ji (1979). In the early hours of July 2, 1950, Rokuon-ji Temple (commonly known as Kinkaku-ji), a National Treasure, and Shari-den (a reliquary hall) were simultaneously set alight and burned to the ground by an apprentice monk. Made by referring to pictures in the newspaper, Kawabata showed this work a mere two months later at the 22nd Seiryu-sha Exhibition. The fact that such a vivid and important incident was depicted in Nihon-ga is in itself a very peculiar thing. It is also worth noting that Kawabata's choice of subject matter was passed down to his students.

安田靫彦
YASUDA, Yukihiko
1884-1978

日食
Solar Eclipse
1925 大正14年
紙本彩色 color on paper

中国の『詩経』小雅に「十月之交」から始まる詩があります。内容はおおむね、「不吉な日食があった。これは政治が乱れているからだ。天変地異も起こった。民は苦しみ憂いている」というもので、成立したのは中国・周の幽王の時代とされます。作者の靫彦はおそらくこの詩と、司馬遷の「史記』に記された愚味な幽王のふるまいに着想を得て、王と寵姫が日食に恐れおののく様子を描いています。弧を描くような優美な細線は、靫彦が中国・晋時代の画家、顧愷之が得意とした「高古遊絲描」に学んだものでした。

Among the poems in the Chinese Classic of Poetry is one that begins, "When September turns to October..." The poem describes an ominous solar eclipse attributed to political turmoil, and also mentions natural disasters causing suffering and distress of the populace. It is believed to have been composed during the reign of King You of Zhou. The painter Yasuda Yukihiko likely drew inspiration from this poem, and from Sima Qian's portrayal of the rash and foolish King You in Records of the Grand Historian. This work depicts King You and his favored mistress trembling in fear during the eclipse. Yukihiko's delicate, gracefully curving lines were influenced by the techniques of Chinese Jin dynasty (266-420) painter Gu Kaizhi, known for his so-called
"gossamer" drawings.

小林古径
KOBAYASHI, Kokei
1883-1957

馬郎婦（めろうふ）
Malangfu, the Goddess of Mercy Incarnate
1943 昭和18年
紙本彩色
color on paper

小林古径
KOBAYASHI, Kokei
1883-1957

紅梅
Plum Blossoms
1943 昭和18年
紙本彩色 color on paper

前田青邨
MAEDA, Seison
1885-1977

かちかち山
Kachi-kachi-yama (Clack Clack Mountain), the Folk Tale of a rabbit and a racoon dog
1947
紙本墨画
昭和22年
sumi on paper

11. Lines and Grid

2020年、所蔵品ギャラリー3階「建物を思う部屋」に、ソル・ルウィット＜ウォールドローイング＃769黒い壁を覆う幅36インチ（90cm）のグリッド。角や辺から発する円弧、直線、非直線から二種類を体系的に使った組み合わせ全部。＞（1994年）が設置されました。

In 2020, Sol LeWit's Wall Drawing #769: A 36-inch (90cm) grid covering the black wall. All two-part combinations using arcs from corners and sides, and straight and not straight lines, systematically. (1994) was installed in Room to Consider the Building in the collection gallery on the third floor.

今期の11室では、ソル・ルウィットと同時代にニューヨークで活躍したアーテイストたちを中心に、線とグリッドが内在した表現を紹介します。1960年代から
70年代のアートシーンを席巻したコンセプチュアル・アート、ミニマリズムにおいて、線とグリッドは多くみられる形態です。一方で都市に目をむければ、グリッドは「マンハッタン・グリッド」と呼ばれる都市計画に基づいたニューヨークという街を特徴づけるものです。その地を被写体とした写真や映像作品が、開発によるひずみや暗部も含めたリアルな都市の姿と、いかに呼応しているかも見えてくるでしょう。

This term, Room 11 features artists who were leWitt's contemporaries and also active in New York, with a focus on the inherent features of lines and grids. In the 1960s and 70s, the art scene was dominated by Conceptual Art and Minimalism, and lines and grids were widely used. Meanwhile, turning our eyes to the city, the grid is a defining feature of New York due to the urban plan known as the Manhattan Grid. Photographs and films shot here reveal correspondences to the actual visage of the city, including the dissonance and darkness that has been a side product of its development.

宮脇愛子
MIYAWAKI, Aiko
1929-2014

作品
Work
1968
真鍮
昭和43年
brass

宮脇は、1963年から66年までニューヨークで過ごしました。帰国直後、東京の下町の金物店をまわっていて、真鍮のパイプに出合います。真鍮のパイプを積んだり接着したり、光による多様な見え方の実験を重ねながら、真鍮を素材とした立体作品を多数制作しました。グリッド状の真鍮とうつろうとの関係性がコンセプトの軸になっています。作者自身はこれらの作品について、私が「作った」というより、「見つけた」のだと語ります。

Miyawaki spent the years from 1963 to 1966 in New York. After returning to Japan, she wandered through the metal shops of Tokyo's grittier areas, where she encountered brass pipes. She experimented with stacking and assembling them in various ways and explored how they appeared under different lighting conditions, leading to the creation of numerous sculptures made with brass. The interplay between the grid-like brass structures and the shifting light became central to the work's concept. Miyawaki describes these creations not so much as things she "made" but as things she
"discovered."

河原温
KAWARA, On
1933-2014

JULY 15, 1970, Todayシリーズ（1966-2013）より
JULY 15, 1970, from Today Series (1966-2013)
1970 昭和45年
アクリリック・キャンバス acrylic on canvas

「Today」シリーズは、1966年1月4日より始められました。その日の0時に描き始め、同日のうちに完成させるというルールのもとで描かれます。その真正さは作家の倫理と、作品を収録する箱にしばしば貼りこまれた同日の新聞記事によって保証されます。この作品群は、書き込まれた日付の日に、河原が生きていたことを表します。個人の生が西暦という無機質な時間概念と同期し、そのなかに還元されます。一方で絵画そのものは丁寧に塗り重ねられており、微細ながらも作者の痕跡が感じられます。

Kawara initiated the Today series on January 4, 1966, with the rule that each work must be started at midnight and completed within the same day. In addition to the artist's rigorous ethic, this was ensured by the inclusion of newspaper articles dated that day, which are pasted onto the boxes containing the artworks. The series represents the days of the artist's life, synchronizing a single individual's existence with the impersonal concept of the Gregorian calendar and reducing a life to dates. At the same time, each painting is meticulously layered, and bears subtle traces of the artist's hand.

ルチオ・ポッツィ
Lucio Pozzi
1935-

「或る10年間の終わりにおける所産」より
ぐにゃぐにゃした線に負けず劣らず、まっすぐな線は絵を描くのに申し分ない
A Straight Line is as Good as a Wobbly One to Make a Painting, from Artifacts at the End of a Decade
对于作画来说，笔直的线不输于歪斜摇摆的线出自“某个十年结束时的成果”

1981 昭和56年
ミクスト・メディア
portfolio of forty-four mixed medium prints

ルシンダ・チャイルズ
Lucinda Childs
1940-

「或る10年間の終わりにおける所産」より
＜ダンス 第2番＞（「ダンス」より）のための記譜、フィリップ・グラス、ソル・ルウィットとのコラボレーション、ブルックリン・アカデミー・オブ・ミュージックにて、1979年11月
Score for Dance #2 from DANCE, in collaboration with Phillip Glass and Sol LeWitt, BAM, from Artifacts at the End of a Decade
<Dance #2>（出自“DANCE”）的況非利音・格拉斯和素・勤維特的合作，千布克林音学院，1979年11月出自
“某个十年結束肘的成果”
1979昭和54年
ミクスト・メディア
portfolio of forty-four mixed medium prints

文化史家スティーブン・ワトソンと写真家キャロル・ヒューブナー・ヴェネツィアが企画したアーティスト・ブック（100部限定）。1979年に二人は、1970年代をアートによって記録しようと思い立ち、主にニューヨークで活躍する様々な作り手へ依頼の手紙を約200通送ります。1981年、賛同した44組の作家たちの作品をボックスに収めてアーティスト・ブックは完成しました。現在、世界各地の美術館に所蔵されており、当館は2023年にワトソン氏より寄贈を受けました。

Cultural historian Steven Watson and photographer Carol Huebner Venezia planned an artist's book in a limited edition of 100 copies. In 1979, motivated by a desire to document the waning 1970s through art, they sent approximately 200 letters to various artists primarily active in New York. By 1981, they had compiled works from 44 contributors in a box, completing the artist's book. Today, copies are in the collections of art museums worldwide, and this museum received a donation from Mr. Watson in 2023.

杉浦邦恵
SUGIURA, Kunié
1942-

Botanicus 17
1989 平成元年
ゼラチン・シルバー・プリント gelatin silver print

ニューヨークを拠点に活動する杉浦は1980年代から暗室内で印画紙の上に直接ものを置き、その痕跡を露光して像を得るフォトグラムの制作を続けています。モチーフに花を使い始めた当時、周囲からはネガティブな反応しか得られなかったといいます。それでも自身が選んだ方法による制作を続けました。杉浦独自の視点と、海外で写真を制作する日本出身の女性という複合的な属性が交差した作品は、1997年ニューヨーク近代美術館に収蔵される等、アメリカでの評価が示されることになりました。

Sugiura, based in New York, has since the 1980s been creating photograms by placing objects directly on photosensitive paper in the darkroom and exposing them to obtain images. When she began working with the motif of flowers, she received mostly negative reactions from those around her, but she continued to work with her chosen approach. Her works, in which the complex attributes and perspectives of a Japanese female artist creating photographic art overseas intersect, gained recognition in the US, including being acquired by The Museum of Modern Art, New York, in 1997.