MOMAT コレクション（2025.7.15-10.26）5.1930年代の絵画：現実の彼方へ、幻影の手前で "カンディンスキー、全体"

2025/08/07 - 2025/08/07

MOMAT コレクション〔国立東京近代美術館 所蔵作品展〕（2025.7.15-10.26）
https://www.momat.go.jp/exhibitions/r7-1

5.1930年代の絵画：現実の彼方へ、幻影の手前で

エリア 神田・神保町(東京)

• 旅行の満足度: 5.0

5.1930年代の絵画：
現実の彼方へ、幻影の手前で

主に1934年以降の作品を紹介します。1920年代より展開されたプロレタリア芸術（社会主義・共産主義の思想から生まれた左翼的運動）は、しばしば国から弾圧されてきましたが、1934年は運動へ大弾圧が行われた年です。

これ以降、社会は閉塞感を深め、戦争へと向かっていくことになります。眼前の厳しく、苦しい現実に、芸術家はどのように反応し、表現として提示したのでしょうか。山口<古羅馬の旅>（1937年）に見られる古代への憧、北脇昇＜空港＞（1937年）や三岸好太郎＜雲の上を飛ぶ蝶＞（1934年）に見られる超現実的世界はいずれも、いま・こことは別の場を希求する意思の現れでしょう。

一方、山下菊二＜鮭と臭＞（1939年）のこちらを鋭くまなざす魚と鳥や、福沢一郎＜二重像＞（1937年）のこちらに背を向けた人物の存在は、いま・ここの彼方ではなく、絵の手前に立つ鑑賞者自身を強烈に意識させるものです。あるいは、長谷川三郎＜アブストラクション＞（1936年）など、肉眼にうつる現実から距離を置き抽象へと向かう芸術家たちが、作品へ込めた抵抗にも注目ください。

5. Painting in the 1930s:
Between Reality and Illusion

This room primarily features works produced from 1934 onward. Proletarian art (a leftist movement rooted in socialist and communist ideologies), which had been developing since the 1920s, faced frequent government suppression, and 1934 was a year of especially severe crackdowns.

From then on, society grew increasingly repressive and the march toward war continued. In the face of harsh and agonizing realities, how did artists respond, and how did they express themselves in the public sphere?
The yearning for antiquity in Yamaguchi Kaoru's Travel to Ancient Rome (1937) and the surreal worlds depicted in Kitawaki Noboru's Airport (1937) and Migishi Kotaro's Butterflies Flying above Clouds 1934) all suggest a desire to escape the here and now.

Meanwhile, the piercing gaze of the fish and the bird in Yamashita Kikuji's Salmon and Owl (1939), and the figure turned away in Fukuzawa Ichiro's Double Image (1937), do not point beyond the present but instead confront the viewer directly, forcing a keen awareness of one's own presence before the work. Also note the quiet resistance imbued in works such as Hasegawa Saburo's Abstraction (1934), in which the artist distances himself from visible reality and embraces the abstract.

東京国立近代美術館 美術館・博物館

津田青楓
TSUDA, Seifu
1880-1978

犧牲者
The Victim
1933 昭和8年
油彩・キャンバス oil on canvas

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この作品は、1933（昭和8）年の小説家小林多喜二（1903-1933）の虐殺に触発されて描かれたものです。津田は、「十字架のキリスト像にも匹敵するようなものにしたいという希望を持って、この作にとりかかつた」（『老画家の一生』）と記しています。拷問をうけ吊り下げられた男と、左下の窓を通して取り込まれた建設中の国会議事堂が対比されます。プロレタリア芸術運動への弾圧が激しさを増す中、津田自身も家宅捜査の後、一時拘留されましたが、幸いこの作品は隠し通すことができました。

This work was apparently inspired by the murder of the writer Kobayashi Takiji in 1933. In his book, The Life of an Aged Painter, Tsuda wrote, "I began with the hope of creating something that would rival Christ on the cross and this is what I came up with." The man, suspended from the ceiling as part of a police interrogation, creates a contrast with the National Diet Building (under construction at the time), visible through the window in the lower left. In the midst of an increasingly severe clampdown on the proletarian arts movement, Tsuda's own house was searched. Although he was briefly taken into custody, he was fortunately able to hide this work.

山下菊二
YAMASHITA, Kikuji
1919-1986

鮭と梟
Salmon and Owl
1939 昭和14年
油彩・キャンバス
oil on canvas

竹本實三氏遺贈
Bequest of Takemoto Jitsuzo

福沢一郎
FUKUZAWA, Ichiro
1898-1992

二重像
Double Image
1937 昭和12年
油彩・キャンバス
oil on canvas

国立国会?書館寄贈
Gift of National Diet Library

向かって右側の女性は、初期ルネサンスの画家マザッチョの壁画＜共有財産の分配とアナニヤの死）の一部をもとにしています。神を欺いたことを聖ペテロに暴かれ息絶えたアナニヤを眺める、名もなき人です。けれど、壁画には左側の人物は描かれていません。であれば、この人物は壁画を眺める鑑賞者、あるいは現場にいながら描かれなかった、もう一人の目撃者なのかもしれません。そして、こちらに背を向けたその姿勢のためか、鑑賞者は、この人物に自分を重ね合わせるような感覚を抱くでしょう。作品タイトルの「二重像」は、この「見る者の二重化」とも関係しているのかもしれません。

The woman on the right is based on a figure from The Distribution of Alms and the Death of Ananias, a mural by the early Renaissance painter Masaccio. She is an anonymous onlooker, gazing at the disciple Ananias as he expires after Saint Peter exposes his deceptive withholding of alms in defiance of God's will. The figure on the left, however, does not appear in the original mural, suggesting that it may represent a viewer gazing at the painting, or perhaps a witness who was present at the scene but left unrecorded. With their back turned to us, this figure invites the viewer to project themselves into the image and identify with the figure. The title Double Image may allude to this psychological "doubling" of the viewer.

香月泰男
KAZUKI, Yasuo
1911-1974

水鏡
Water Mirror
1942 昭和17年
油彩・キャンバス oil on canvas

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Purchased

壁にかかったキャンバス（垂直な容器）と、ほぼ一致するように描かれた水槽（水平な容器）。この二重化された容器の中心にあるのは、深い青＝満たされた水です。しかし少年が水面に見ている反映像を、私たちが具体的に見ることはできません。であるがゆえに満たされた青は、同時に空虚でもあります。この空虚のうちに、人は実にさまざまなものを読み込みます。たとえば親と生き別れた画家の孤独な少年時代。あるいは枯れかかった植物（死）と少年（生）を対比し、生命の象徴である少年が私たちに背を向けていることに、戦争の影響を見る人もいます。

Here is a canvas (or vertical container) on the wall and a water tank (or horizontal container) that corresponds almost exactly to it. The center of this duo of containers is deep blue - filled with a large quantity of water. But we cannot clearly see the reflection on the water's surface that the boy is looking at. Nevertheless, the blue that fills the space is nearly empty. And we can read a variety of things into this emptiness. For example, we might consider the lonely childhood of the artist, who lived apart from his parents. Or we might compare the withered plant (death) with the boy (life). Some might also say that the reason the boy, a symbol of life, has his back to us is the war.

山口薫
YAMAGUCHI, Kaoru
1907-1968

古羅馬の旅
Travel to Ancient Rome
1937 昭和12年
油彩・キャンバス oil on canvas

川辺敏哉氏寄贈
Gift of Kawabe Toshiya

1930年代初頭の滞欧期、山口は古典作品に深い感銘を受け、自らの制作への消化を試みます。単純化された色面で構成される画面には、遠くに馬や荷車が見え、前景に人物が描かれています。人物は二人のようにも、一人とその影のようにも見えます。そのおぼろげな表情や輪郭のため、壁の前に立っているようにも、壁と一体化しているようにも見えます。昭和10年代（1935～1944年）の日本では、古代ギリシア・ローマ世界をユートピア（理想郷）として表現する絵画がしばしば制作されました。

During his stay in Europe in the early 1930s, Yamaguchi was profoundly moved by classical art and sought to infuse his own work with its essence. Composed of simplified color planes, this painting shows a horse and cart in the distance, with a figure - possibly two - in the foreground. Whether we are seeing two people, or one person and their shadow, remains ambiguous. With the blurred outlines and indistinct rendering, the figure(s) may be standing in front of a wall or merging into it. In Japan during the late 1930s and early 1940s, painters frequently depicted the world of ancient Greece and Rome as a kind of utopia.

北脇昇
KITAWAKI, Noboru
1901-1951

空港
Airport
1937 昭和12年
油彩・キャンバス oil on canvas

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Purchased

シュルレアリスムの影響を受けた北脇は、日常生活の中から、あるいは植物図譜の中から見つけてきた植物の実や種、もしくは奇妙な形の枝や木片などをモチーフに幻想的な情景を描きだします。そこで北脇が駆使するのが見立ての極意。この作品では積の種子を飛行機になぞらえています。上空に浮かぶ木片とその節穴は、雲とその間から顔を覗かせる月のようにも見えるでしょう。一方で、この作品が描かれる直前に始まった日中戦争は、作品全体に重く不安な雰囲気をもたらしています。

Influenced by Surrealism, Kitawaki Noboru depicted fantastic scenes from everyday life and motifs such as nuts and seeds that he found in illustrated books of plants, and strangely-shaped branches and pieces of wood. He was a master at revealing the innermost secrets of a scene. In this work, Kitawaki likens maple seedpods to airplanes, while a chip of wood floating in the sky and a knothole in the wood resemble a cloud with the moon peeking through it. However, there is a heavy atmosphere of unease pervading the entire painting, reflecting the outbreak of the Second Sino-Japanese War just before it was produced.

三岸好太郎
MIGISHI, Kotaro
1903-1934

雲の上を飛ぶ蝶
Butterflies Flying above Clouds
1934 昭和9年
油彩・キャンバス oil on canvas

購入
Purchased

作者によれば、ある昆虫学者から海を渡る習性をもつ蝶の話を聞いたことがきっかけで、この絵を構想したといいます。とはいえ、実際の蝶は、雲の上の高さまで飛ぶことはないでしょう。しかもこれらの蝶や蛾は、おそらく図鑑などをもとに、平面的に描かれています。平面の重なりとしてさまざまな向きで画面に散らばる蝶や蛾は、重力から自由になり、それを見る私たちの視線をも、ふわりと浮遊させてくれます。

According to Migishi, he was inspired to make this painting after an entomologist told him about a butterfly with a habit of flying over the sea. Be that as it may, a real butterfly would never be able to fly higher than the clouds. Moreover, the butterflies and moths in this picture have a flat appearance, suggesting that they were derived from a field guide. The insects, scattered across the painting at various angles in two-dimensional layers, are free from gravity and cause our gaze to gently float in the air.

福沢一郎
FUKUZAWA, Ichiro
1898-1992

人
Persons
1936 昭和11年
油彩・キャンバス oil on canvas

購入
Purchased

坂本繁二郎
SAKAMOTO, Hanjiro
1882-1969

水より上る馬
Horse Coming out of the Water
1937 昭和12年
油彩・キャンバス oil on canvas

文化庁管理換
Transferred from Agency for Cultural Affairs

古今東西の絵画でしばしば描かれてきた、馬ですが、20世紀に生きる坂本が故郷の福岡で描いた馬は、どこかミステリアスです。それは、坂本が、馬の生命性を描くというよりは、馬を通して存在そのものを捉えようとしているからだと言えるかもしれません。全体に淡く明るい色調のこの絵において、馬と背景とは、ほとんど等質に描れています。でも、よく見れば、馬の体の部分の絵の具が、ほんの少し盛り上がっているのがわかります。その事実に気づく時、馬が、水から上がってきているだけではなく、空間のうちに生まれ出でているのだとも感じられてこないでしょうか。

In every time and place, horses have been a common subject for paintings. Yet, there is something mysterious about this horse, which Sakamoto, a 20th century artist, depicted in his hometown of Fukuoka. You might say this is because instead of trying to convey the living quality of the animal, Sakamoto set out to capture existence itself through the horse. In the picture, filled with pale and bright color tones, the horse and background are treated as near equals. But a closer look reveals that the paint used for the horse's body is slightly thicker. After realizing this, it seems that the horse is not only coming out of the water but being born into the space.

長谷川三郎
HASEGAWA, Saburo
1906-1957

アブストラクション
Abstraction
1936 昭和11年
油彩・キャンバス oil on canvas

購入
Purchased

入れ子状になった四角い枠が、物理的な四角い枠（キャンバス）から少し傾いているため、アンバランスな動きが生じています。幾何学的図形の配置も、この傾きによって決定されているようです。けれどよく見ると、茶色の線は枠として閉じておらず、左上から右回りに、一続きに画面の外へと延びていっています。この線が枠でないと気づくと、中央で色面を分割していた黒の線は、その上で茶や白の形が浮遊する背景の地の一部となり、それまでと異なる空間が出現します。現実世界にはあり得ない可変性に富んだ空間が、けれど、とても具体的に眼の前に現れる、抽象の重要なコンセプトです。

Slightly tilted in relation to the physical rectangle of the canvas, the nested rectangular frames generate a sense of unbalanced motion. The placement of geometric forms also seems to be guided by this tilt. On closer inspection, however, the brown line does not form closed frames, instead extending continuously from the upper left corner, rotating clockwise and moving past the edge of the canvas. Once it becomes clear that this line is not a frame, the black line dividing the colored planes at the center becomes part of the background against which the brown and white forms seem to float, and an entirely different spatial logic emerges. Richly variable and impossible in the real world, yet vividly present before our eyes, the space embodies key principles of abstraction.

吉原治良
YOSHIHARA, Jiro
1905-1972

作品2
Work 2
c.1934 昭和9年頃
油彩・キャンバス oil on canvas

購入
Purchased

ワシリー・カンディンスキー
Wassily Kandinsky
1866-1944

全体
The Whole
1940 昭和15年
油彩・キャンバス
oil on canvas

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Purchased

抽象絵画の創始者の一人として名高いロシア出身の画家カンディンスキー。彼がナチスの脅威を逃れるためフランスに移った、キャリア晩年に描かれた作品です。この時期の作品の特徴は、それまでの円や三角形などの幾何学的形体や、水平・垂直といった幾何学的構造に、アメーバなどの微生物や生物の胚のような有機的形体が新たに組み合わせられていく点です。

画面を分割する矩形それぞれが独立した絵（宇宙）にも見え、カンディンスキーのさまざまな表現世界を一覧する総目録のようです。

The Russian painter Wassily Kandinsky is famed as one of the founders of abstract painting. This work was produced late in his career, when he had moved to France to escape the threat of the Nazis. His works from this period are characterized by new combinations of biomorphic shapes, resembling microorganisms such as amoebae or animal embryos, with the geometric shapes such as circles and triangles and the horizontal and vertical structures he had been employing thus far.

The picture is divided into rectangles, each of which appears to be an independent picture (or its own miniature cosmos), forming something like a comprehensive overview of Kandinsky's diverse modes of expression.

瑛九
EI-KYU
1911-1960

赤の中の小さな白
Small White in Red
C.1937 昭和12年頃
油彩・キャンバス oil on canvas

購入
Purchased

瑛九
EI-KYU
1911-1960

フォト・デッサン（その1）
1936 昭和11年
ゼラチン・シルバー・プリント gelatin silver print

購入
Purchased

油彩、コラージュ、版画など多様な作品で知られる瑛力が1930年代に試みたシリーズです。

物体を印画紙の上に置いて感光させるフォトグラムと出会った瑛九は、印画紙を新しい画用紙ととらえ、光で描き始めます。画家である彼が用いた型紙やセルロイドの描画などの絵画的要素は、印画紙の滑らかなマチエール（画面の肌）に総合され、写真とも絵画とも異なる独自のイメージとなっています。瑛力はそれをフォト・デッサンと呼びました。

This series was produced in the 1930s by Ei-Kyu, an artist known for diverse works including oil paintings, collages, and prints.

After encountering photograms, in which objects are placed on photographic paper and exposed to light, Ei-Kyu began working with light, with photographic paper as a new kind of drawing surface. Pictorial elements he used as a painter, such as stencils and celluloid drawings, were synthesized with the smooth material texture of photographic paper to create unique images distinct from both photography and painting. He called these works photo-dessin (dessin is the French word for
"drawing").

藤島武二
FUJISHIMA, Takeji
1867-1943

港の朝陽
Sunrise at a Harbor
1934 昭和9年
油彩・キャンバス
oil on canvas

東京国立博物館管理換
Transferred from Tokyo National Museum

鮮やかな色彩と即興的で軽妙酒脱な筆致が目を引きます。1928年、藤島は、貞明皇后より昭和天皇の即位を祝い、宮中の学問所を飾る油彩画制作の委嘱を受けます。題材は画家に任され、藤島は「日の出」を選びます。完成までの約9年、国内だけでなく台湾なども訪れ多くの「日の出」を描きます。温和な風景画にも見えますが、「日の出こそは最も日本の国を象徴するに相応しい」という本人の言葉にある通り、制作時の時代性を踏まえると、作品の持つ意味は重層的です。

The vivid colors and graceful, improvisational brushwork immediately capture the eye. In 1928, Fujishima received a commission from the mother of Emperor Showa (Hirohito) for an oil painting to decorate a hall of study within the palace in celebration of the Emperor's enthronement. The choice of subject was left to the artist, and Fujishima selected "sunrise." Over the nine or ten years it took him to complete the painting, he traveled not only throughout Japan but also to Taiwan and elsewhere, depicting numerous sunrises. While the painting may appear to be a serene landscape, it contains layers of meaning, especially when seen in its historical context as reflected by Fujishima's remark: "Sunrise is the most fitting symbol for the Japanese nation."

靉光
Al-MITSU
1907-1946

眼のある風景
Landscape with an Eye
1938 昭和13年
油彩・キャンバス oil on canvas

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Purchased

この印象的な眼をもつ塊は何でしょう。よく見ると、空との間の境界を何度も修整しているのがわかります。そして流れるような曲線の重なりや、絵具を削ったりした跡も認められるでしょう。描きかけのようにも見えるけれども、右下にサインが入っているので、作者にとっては、この形はまさにこうでなければならなかったのです。名づけることのできない「何か」。その正体を見極めようと、じっと画面を見つめていると、次第にいろいろなイマジネーションが湧いてくるでしょう。それは長時間にわたる作者と絵との格闘を追体験することでもあります。

What is this hulking mass with its striking single eye? A close look reveals that the boundary between it and the sky was corrected many times. Overlapping, flowing curved lines and vestiges of scraped-off paint can also be seen.The work may appear to be unfinished, but the artist has signed it on the lower right, indicating that this was the final form he intended. Here there is a nameless something that cannot be identified. Stare at it long enough in hopes of unraveling its mystery, and you may gradually begin imagining various things. In some ways this is a vicarious experience of the artist's protracted battle with the painting.

ソル・ルウィット
Sol Lewitt
1928-2007

ウォール・ドローイング＃769
黒い壁を覆う幅36インチ（90cm）のグリッド。
角や辺から発する円弧、直線、非直線から二種類を体系的に使った組み合わせ全部。
Wall Drawing#769: A 36-inch (90cm) grid covering the black wall. All two-part combinations using arcs from corners and sides, and straight and not straight lines, systematically.
1994 平成6年
水溶性パステル、水性塗料、鉛筆・壁
water soluble wax pastel, water based paint and pencil on wall

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Purchased

この旅行記へのコメント （2）

• Tripにこちゃんさん 2026/01/23 15:49:08

  こんにちは。

  旅熊Kokazさま
  
  昨年はたくさん見て頂き、ありがとうございました。
  本年もよろしくお願いします。
  
  旅熊Kokazさまは、美術館がお好きなのですね。
  我が家は、主人が嫌いなのであまり行けません。
  東京でも大阪でも、美術館へ行かれていましたが、私のように行けない者にとっては、一緒にみているようで、有難いです。
  
  私の実家は陶器を販売しているので、大阪の旅行記で写されていた器の数々は、大変興味があり楽しく拝見しました。
  一流の器は、作られてからの長い年月を、忘れる存在感がありますね。
  目の保養になりました。
  ありがとうございました。
  

  旅熊 Kokazさん からの返信 2026/01/26 05:26:53

  RE: こんにちは。

  Tripにこちゃんさま
  
  こちらこそ、いつもご来訪頂きありがとうございます。
  本年も宜しくお願い致します。
  
  美術館・博物館好きなんですよ。
  解説まで画像に納めて、あとでじっくり読んでます。
  
  大阪の東洋陶器美術館は見応えありました。
  また行ってみたい美術館です。
  
  日本各地にいろいろな焼物の釜があるようで、
  機会があればそういう所にも行ってみたいものです！
  
  旅熊 Kokaz